Das Prado-Museum öffnet ein wenig bekanntes Fenster in seine Geschichte und zeigt, wie es über anderthalb Jahrhunderte hinweg ... Seine Gemälde erschienen zunächst auf Papier, bevor sie auf Bildschirmen zu sehen waren.Postkarten, Alben, Kabinettkopien und Stereokarten brachten die Meisterwerke der Kunstgalerie in die privaten Salons, Schreibtische und Archive von Forschern innerhalb und außerhalb Spaniens.
Belichtung Der Prado vervielfachte sich: Fotografie als gemeinsames Gedächtnis Es schlägt vor, das Museum nicht nur als Ort der Gemälde zu betrachten, sondern auch als ein riesiges visuelles Archiv, das sein eigenes fotografisches Gedächtnis aufgebaut hatAnhand von 44 ausgewählten Stücken aus einer Sammlung von mehr als 10.000 Bildern erkundet der Besucher die Geschichte, wie die Kamera zu einem Werkzeug für die Verbreitung, Erforschung und das kollektive Gedächtnis von Sammlungen wurde.
Eine Ausstellung, um den Prado als fotografisches Archiv zu verstehen.
Unter der Kuratoriumsleitung von Beatriz Sánchez TorijaDie von dem Kurator der Sammlung von Zeichnungen, Drucken und Fotografien des Museums kuratierte Ausstellung vereint eine kleine, aber äußerst bedeutende Gruppe von Werken aus der Zeit von den 1860er Jahren bis weit ins 20. Jahrhundert. Es handelt sich nicht einfach um eine Sammlung von Reproduktionen berühmter Gemälde: Ebenfalls enthalten sind Ansichten von Räumen, Montagedetails und Gebäudeecken. die dazu beitragen, zu rekonstruieren, wie der Prado im Laufe der Zeit präsentiert wurde.
Diese Fotografien werden normalerweise aus konservatorischen Gründen eingelagert, weshalb die Ausstellung einen gewissen Ereignischarakter hat: Dies ist das erste Mal, dass das Prado eine monographische Ausstellung der Fotografie seiner eigenen Sammlungen widmet.In das Programm integriert Offenes LagerDer Vorschlag ermöglicht es der Öffentlichkeit, einen Einblick in ein visuelles dokumentarisches Erbe zu erhalten, das im Vergleich zu Malerei oder Bildhauerei weitgehend im Hintergrund geblieben war, und es zu konsultieren. Ressourcen und virtuelle Rundgänge.
Die Bilder stammen aus einem Fonds, der die 10.000 fotografische StückeEine umfangreiche und vielfältige Sammlung umfasst historische Drucke, Auftragsarbeiten von Institutionen, Fotografien technischer Arbeiten sowie Materialien, die von Forschern und Kunsthistorikern verwendet wurden. Aus diesem riesigen Archiv wurden 44 Werke ausgewählt, die als roter Faden dienen und die Rolle der Fotografie im Museumsleben verdeutlichen.
Die Ausstellung konzentriert sich auf zwei sich ergänzende Dimensionen: zum einen auf die Fotografie als Internationales Verbreitungsinstrument für die SammlungenAndererseits dient es als Dokument, das festhält, wie die Räume aussahen, wie die Gemälde aufgehängt waren und welche museografischen Entscheidungen die jeweilige Epoche prägten.
Vom Diener der Kunst zur anerkannten Disziplin
Der historische Kontext, in dem viele dieser Bilder entstanden sind, ist entscheidend für das Verständnis ihrer Bedeutung. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Die Fotografie stand im Mittelpunkt einer Debatte über ihren künstlerischen Status.Während der Piktorialismus seinen Status als Kunst verteidigte, mangelte es nicht an kritischen Stimmen, die ihn auf eine rein instrumentelle Rolle beschränkten.
1862 bspw. eine Gruppe von Malern, zu der auch Dominique Ingres gehörte In Paris unterzeichnete er ein Manifest, das sich gegen die Auffassung aussprach, Fotografie solle als Kunstform auf derselben Stufe wie Malerei oder Bildhauerei betrachtet werden. Ihrer Ansicht nach sollte die Kamera auf die Dokumentation und Reproduktion von Meisterwerken beschränkt sein – eine Idee, die bereits einige Jahre zuvor Baudelaire formuliert hatte, der sie als bescheidenen Diener der Wissenschaften und Künste bezeichnete.
Diese „dienende“ Rolle erwies sich jedoch für Museen und Sammler als entscheidend. Europäische Institutionen begannen, Fotografien zur Vermarktung ihrer Sammlungen einzusetzen. und machte sie Fachleuten und der breiten Öffentlichkeit zugänglich. Auch das Prado schloss sich diesem Trend an, indem es Kopien seiner Gemälde in Auftrag gab und deren Verbreitung in Katalogen, Alben und kommerziellen Serien ermöglichte.
Der Fall war kein Einzelfall. Fotografen jener Zeit, wie etwa Man Ray in seinen frühen Jahren, nutzten diese dokumentarische Verwendung, indem sie Bilder ihrer Werke an Händler und Galerien schickten, während Maler wie Picasso oder Juan Gris die Fotografie einsetzten, um ihren Gemälden Sichtbarkeit zu verleihen. Eine neue visuelle Ökonomie nahm Gestalt an. In dieser Form vermittelte das fotografische Bild zwischen dem Original und seinen verschiedenen Betrachtern.
Raum 60: ein kleines Gedächtnislabor
Die Ausstellung wird im Raum 60 des Prado-MuseumsEin Raum, der kleinformatigen Sammlungen aus dem 19. Jahrhundert gewidmet ist und diese aus verschiedenen Blickwinkeln präsentiert. Dort können Sie einen der Höhepunkte der Tour bewundern: eine Daguerreotypie der Museumsfassade, aufgenommen von José de Albiñana aus dem Jahr 1851, eines der ältesten erhaltenen Bilder des Gebäudes.
Dieses Daguerreotypie-Bild erschien fast wie in einem Roman, in einem Zimmer, das mit Königin Victoria Eugenie in Verbindung stand. Daneben hingen weitere Pionierfotografien, wie zum Beispiel eine Aufnahme aus dem Jahr 1857 von Charles Clifford, offizieller Fotograf der KroneDiese frühen Arbeiten zeigen, dass der Kontinent selbst – das Prado-Gebäude – ebenfalls ein Objekt fotografischen Interesses war.
Im Inneren des Raumes kann der Besucher von architektonischen Szenen zu emblematische Innenräume, wie die Zentralgalerie oder der Murillo-SaalAlte Bilder werden neben neueren Fotografien ausgestellt, was einen Vergleich der Anordnung, eine Überprüfung der Veränderungen in der Möblierung und eine Beobachtung der Transformation der Art und Weise, wie Bilder aufgehängt werden, ermöglicht: von überfüllten Wänden hin zu luftigeren Anordnungen, bei denen jedes Werk "atmen" kann.
Die gedämpfte Beleuchtung und die strengen Konservierungsbedingungen schaffen eine fast intime Atmosphäre. Man hat leicht das Gefühl, einzigartige Objekte zu betrachten, obwohl deren Wesen reproduzierbar ist. Das Paradoxon, auf das Walter Benjamin hinsichtlich der technischen Reproduzierbarkeit hingewiesen hat Die Investition ist hier umgekehrt: Aus Kopien, die vervielfältigt werden sollten, sind Unikate geworden, die uns mit Besuchen vor hundert Jahren verbinden.
Techniken und Formate: von der Daguerreotypie bis zur Postkarte
Ein roter Faden der Ausstellung ist die Vielfalt der Techniken und Unterstützungen Die ausgewählten Stücke stammen aus der Geschichte des fotografischen Archivs des Prado. Darunter befinden sich Albumin-, Kohle- und Silbergelatineabzüge sowie beliebte Formate wie Visitenkarten, Stereoskopiekarten oder illustrierte Postkarten.
Diese Objekte veranschaulichen nicht nur die technologische Entwicklung, sondern auch Veränderungen im gesellschaftlichen Gebrauch der Fotografie. Visitenkarten wurden beispielsweise fast wie Visitenkarten ausgetauscht, während Postkarten dokumentarischen Zweck mit sentimentalem Wert verbanden. Eine Reproduktion eines Gemäldes könnte am Ende ein Wohnzimmer schmücken oder als Unterlage für einen Brief dienen..
Die Bildnachweise enthalten wichtige Namen der europäischen Fotografie des 19. Jahrhunderts: Juan Laurent, der zwischen 1879 und 1890 die Exklusivrechte im Prado innehatte; José Lacoste; Braun; Moreno; Anderson oder HanfstaenglEinige von ihnen fotografierten Werke, die noch nicht Teil der Kunstgalerie waren, um zukünftige Ankäufe vorwegzunehmen oder Leihgaben und temporäre Ausstellungen festzuhalten.
Diese Kooperationen zeigen, in welchem Ausmaß die Kamera bereits ein professionelles Werkzeug im Dienste von Museen und Sammlern war, das in der Lage war, um ein Netzwerk von Bildern zu schaffen, das Madrid mit anderen europäischen Kulturzentren verband.Der Prado wurde somit Teil eines umfassenderen visuellen Kreislaufs, in dem Fotografien als Botschafter für seine Sammlungen fungierten.
Fotografieren zum Schutz, zur Erforschung und zur Verbreitung
Über ihren ästhetischen Wert hinaus unterstreicht die Ausstellung die Rolle der Fotografie als Arbeitsinstrument und Schutz des KulturerbesBereits Ende des 19. Jahrhunderts war sich die Leitung des Prado der Notwendigkeit bewusst, ein systematisches visuelles Archiv ihrer Bestände anzulegen.
Im Jahr 1898 war der Direktor der Kunstgalerie, Francisco PradillaEr unterbreitete der Regierung formell den Vorschlag, alle Werke im Museum zu fotografieren. Das Ziel war zweifach: eine verlässliche Dokumentation zu erstellen für um die Identifizierung im Falle von Diebstahl oder Verschwinden zu erleichtern und gleichzeitig die Dokumentation der Sammlungen für Forschungszwecke zu verbessern.
Einige Jahrzehnte zuvor hatten bereits Fotokampagnen begonnen, wenn auch eher sporadisch. Die ersten systematischen Aufnahmen datieren aus den 1860er Jahren, als es die Blitzfotografie noch nicht gab. Es war notwendig, einige Gemälde nach draußen zu bringen, um das natürliche Licht zu nutzen.Es war nicht ungewöhnlich, Gemälde von Velázquez oder Murillo „im Freien“ zu sehen, mit allen damit verbundenen Risiken, nur um ein qualitativ hochwertiges Negativ zu erhalten.
Im Jahr 1899, anlässlich des 300. Geburtstags von Velázquez, wurde ein weiterer Schritt unternommen, um dieses Archiv der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. In einem der Räume des Museums fand eine Ausstellung statt. Fotografien von Gemälden des Künstlers, die sich in ausländischen Institutionen befandenAuf diese Weise konnte der Besucher im selben Raum das in verschiedenen europäischen Museen verstreute Werk von Velázquez betrachten, selbst wenn es sich nur um eine Kopie handelte.
Die Central Gallery und das Fotografiegeschäft
Der entscheidende Wandel hin zur massenhaften Verbreitung von Bildern erfolgte in den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts. Im Jahr 1901 veröffentlichte der Fotograf José Lacoste erhielt durch königlichen Erlass das Privileg, Fotografien von Werken aus dem Prado-Museum zu verkaufen. in einem dafür eingerichteten Raum in der Zentralgalerie des Museums, nachdem man sich gegen andere Vorschläge von Fachleuten wie Laurent & Co. oder Mariano Moreno durchgesetzt hatte.
Von da an wurden Bilder der Gemälde an Türen und Wänden des Verkaufsraums aufgehängt und bildeten so eine Art greifbaren Katalog, der für den Besucher in Reichweite war. Der Prado wurde „tragbar“.Wer das Museum besuchte, konnte sich ein kleines Fragment in Form einer Kopie mit nach Hause nehmen, entweder in einem großen Kabinettformat oder auf schlichten Postkarten.
Dieses Marketingsystem schuf ein echtes Vertriebsnetz, das dies ermöglichte. Bilder der bekanntesten Werke werden sich rasch in ganz Spanien und im übrigen Europa verbreiten.Fotografien reisten in Briefumschlägen, Gepäckstücken und Familienalben und spielten eine Rolle, die wir heute mit … assoziieren würden. Merchandising institutionell.
Für viele Besucher jener Zeit, die zahlenmäßig weit weniger zahlreich waren als heute, stellten diese Exemplare Folgendes dar eine Art „Taschenmuseum“Sie wurden von der Institution selbst legitimiert. Sie dienten der Dekoration, dem Studium oder einfach als sentimentale Erinnerungsstücke. In manchen Fällen wurden sie sogar als Medium für persönliche Botschaften verwendet und vereinten so Kunst und Alltag in einem einzigen Objekt.
Kulturdiplomatie und Instrumente für die Forschung
Die in der Ausstellung gezeigten Fotografien veranschaulichen auch die Rolle des Prado in der Kulturdiplomatie und akademischer AustauschJahrzehntelang dienten Kopien seiner Gemälde dazu, die Beziehungen zu anderen Museen und Sammlungen zu stärken und waren eine unverzichtbare Quelle für Kunsthistoriker, die weit entfernt von Madrid arbeiteten.
Einige der ausgestellten Stücke sind in dieser Hinsicht besonders aufschlussreich. Die Reproduktion von [dem Folgenden] ist beispielsweise hervorzuheben. ein Gemälde, das nicht Teil der Sammlung des Prado istist die Porträt der Infantin Margarita von Österreich Das Gemälde von Velázquez befindet sich im Besitz des Kunsthistorischen Museums in Wien. Die Fotografie, aufgenommen 1899 von Braun, Clement & Cie., wurde aufbewahrt, weil das Museum anlässlich des hundertsten Geburtstags des Malers dessen gesamtes Werk zumindest bildlich vereinen wollte.
Diese Art von Kopie erlaubt die Geschichte des Museums auch aus der Perspektive seiner Abwesenheiten zu betrachten.Werke, die nie in ihren Galerien ausgestellt wurden, aber dennoch Teil ihrer Erzählung sind, da sie untersucht, reproduziert und mit ihren eigenen Sammlungen verglichen wurden. Ein weiteres bedeutendes Beispiel ist eine Fotografie eines Fragments der Blicke von Die Kapitulation von Breda von Velázquez, von der Hispanistin Enriqueta Harris für ihre Forschung verwendet und später der Kunstgalerie gespendet.
Für Fachleute kann die Betrachtung eines Gemäldes durch seine Reproduktion Nuancen offenbaren, die auf den ersten Blick unbemerkt bleiben. Details des Pinselstrichs, Größenverhältnisse oder Kompositionselemente Sie treten anders hervor, wenn die Leinwand in Fotopapier verwandelt wird. Das Bild fungiert somit als analytische Ergänzung zum Original, fast wie ein „forensisches Dokument“, das hilft, die Entscheidungen des Künstlers oder die Transformationen, die das Werk durchlaufen hat, zu rekonstruieren.
Ein Blick ins Museum von innen
Ein weiterer wichtiger Teil der Ausstellung ist der folgenden Disziplin gewidmet: Innenansichten des MuseumsFotografien des Murillo-Saals, der Zentralgalerie oder anderer symbolträchtiger Räume zeigen, wie sich die Ausstellungskriterien im Laufe der Zeit veränderten und wie der Besucherweg in den jeweiligen Epochen verstanden wurde.
Der Vergleich dieser historischen Bilder mit der aktuellen Situation erlaubt es uns, um es mit den Worten des Kurators zu sagen, zu spielen mit Detektiv spielenMan sieht Etiketten in verschiedenen Schriftarten, inzwischen verschwundene Rahmen, Vorhänge und Möbel, die nicht mehr zum heutigen Prado-Ambiente gehören. Der Kontrast zwischen der beengten Anordnung von einst und der großzügigeren Gestaltung von heute veranschaulicht treffend die Entwicklung der Museologie in Europa.
Einige Fotografien zeigen auch das Vorhandensein von Eingängen oder Schaltern, die für der Verkauf von Kopien und grafischen MaterialienDie Galerie ist physisch in den Rundgang der Galerien integriert. Insbesondere die Zentralgalerie wird zu einem Ort, an dem man Originalwerke betrachten und nur wenige Schritte entfernt deren Reproduktionen erwerben kann, wodurch die Idee eines Prado verstärkt wird, der sich über seine Mauern hinaus vervielfältigt.
Diese Innenansichten dokumentieren nicht nur Entscheidungen des Museums, sondern spiegeln auch den Alltag der Institution wider: Veränderungen der Beleuchtung, Umstrukturierungen der Sammlungen, die Aufnahme neuer Stücke und das Verschwinden anderer. Jedes Foto fängt einen bestimmten Zustand des Museums ein., wodurch es zu einer Art Rahmen innerhalb eines langen institutionellen Films wird.
Vom Archiv zum gemeinsamen Gedächtnis
Im Verlauf der Ausstellung wird den Besuchern bewusst, dass diese 44 Fotografien nur die Spitze des Eisbergs eines riesigen Archivs darstellen. Untergebracht in Raum 60, Sie erlangen eine Bedeutung, die jahrelang fast ausschließlich der Malerei vorbehalten war.Indem das Museum die Fotografie auf die gleiche Ausstellungsebene stellt, unterstreicht es ihre Relevanz als künstlerische Disziplin und als Instrument der Erinnerungsbildung.
In gewisser Weise ist der Titel der Ausstellung, Der Prado vervielfachte sichDas bringt die Idee gut auf den Punkt: Jede Reproduktion erweitert die Reichweite des Museums, ermöglicht es, seine Werke in Privathaushalten, Bibliotheken und Klassenzimmern präsent zu halten und erzeugt eine gemeinsame Erinnerung an die Sammlungen, die über den persönlichen Besuch hinausgehtDiese Erinnerung materialisiert sich in Kopien, die von Hand zu Hand weitergegeben, in Schubladen aufbewahrt, in Büchern illustriert oder als Grundlage für Konferenzen und Kurse gedient haben.
Die Techniken, die wir heute als historisch betrachten – Albuminabzüge, Gelatinesilberabzüge, Fototypien, standardisierte Kartonplatten – waren damals der letzte Schrei der Bildreproduktion. Dank ihnen konnte der Prado … sein Erbe international zu fördern, sich an der europäischen Kulturdiplomatie zu beteiligen und die Arbeit von Generationen von Kunsthistorikern zu erleichtern.
Der von Beatriz Sánchez Torija vorgeschlagene Rundgang, gespickt mit Namen von Fotografen und Verweisen auf Museumspraktiken, lädt uns dazu ein, darüber nachzudenken, wie wir Gemälde betrachten, wenn wir sie auf Papier oder auf einem Bildschirm sehen. Das fotografische Bild ersetzt nicht die Leinwand, sondern ergänzt und transformiert sie.neue Formen affektiver und intellektueller Beziehung zu den Werken erzeugen.
Mit dieser Ausstellung offenbart sich das Prado-Museum als mehr als nur eine Kunstgalerie: Es zeigt sich als ein Ort, an dem Malerei und Fotografie ineinandergreifen und eine gemeinsame Geschichte erzählen, in der Negative, Abzüge und Postkarten ebenso wichtig sind wie vergoldete Rahmen und prunkvolle Säle. Dieser Teppich aus reproduzierten, archivierten und neu betrachteten Bildern hilft uns, die Gegenwart zu verstehen. wie das Museum in das kollektive Gedächtnis Spaniens und Europas integriert wurde.
